Trieste mediante el cine fortalece el puente entre Europa y América Latina.

Por: Rosa Maria Grillo

La 41.ª edición ofreció un panorama amplio y diverso del cine iberoamericano y latinoamericano, manteniéndose fiel a «nuestra identidad original: dar prioridad absoluta al cine independiente, al talento emergente y a la representación de todos los países latinoamericanos». El certamen brindó una visión rigurosa y plural a través de secciones que abarcaron desde los temas más urgentes de la actualidad hasta grandes cuestiones históricas. Catorce directoras compitieron en un evento que —una vez más, y quizás incluso más que de costumbre— se expresó con una voz marcadamente femenina.
La 41.ª edición del Festival de Cine Ibero-Latinoamericano de Trieste, celebrada del 25 de octubre al 1 de noviembre de 2026, presentó más de 40 películas y documentales. El evento reafirma su papel fundamental como un puente cultural excepcional entre Europa y América Latina, una posición que ha mantenido durante más de cuarenta años.

Profundamente arraigado en la identidad histórica de Trieste como ciudad fronteriza y encrucijada internacional, el Festival se distingue por una programación cultural que combina la exploración cinematográfica contemporánea con la preservación de la memoria histórica y la restauración de obras esenciales del pasado.

SECCIONES COMPETITIVAS

El programa es extenso y se estructura en diversas secciones, distribuidas en varios espacios de la ciudad: el Teatro Miela, el Museo de la Comunidad Judía, la Escuela Superior de Lenguas Modernas para Intérpretes y Traductores, y LETS (el Museo de Literatura).

Junto a las categorías competitivas —Competencia Oficial, Competencia Contemporánea, *Mundo Latino* Contemporáneo, *Malvinas* Contemporáneo y Banda Sonora—, existen varias secciones no competitivas, como «Shalom: el camino judío en América Latina», «Cine y Literatura» y «Eventos Especiales». En conjunto, ofrecen un panorama amplio y diverso del cine ibero-latinoamericano, manteniéndose fieles a lo que Rodrigo Díaz —director artístico e impulsor del Festival— describe como «nuestra identidad original: dar prioridad absoluta al cine independiente, al talento emergente y a la representación de todos los países latinoamericanos, ofreciendo al mismo tiempo una visión rigurosa y plural a través de secciones que abarcan desde los temas urgentes de la actualidad hasta grandes cuestiones históricas». Como parte de su filosofía, el Festival de Trieste —al igual que muchos otros— no establece distinciones entre películas de ficción y documentales, creando así un fascinante continuo narrativo. En este espacio, los límites a menudo se desdibujan, dando lugar a obras cinematográficas que mantienen una mirada atenta e inquisitiva sobre la realidad latinoamericana, con el propósito deliberado de transformar dicha realidad en un objeto artístico.
TEMAS DE GRAN ACTUALIDAD
Tras una presentación previa en Roma —celebrada el 11 de septiembre de 2026 en la Enciclopedia Italiana Treccani, donde el director general Massimo Bray hizo entrega del Premio Salvador Allende al cantautor y poeta español Joan Manuel Serrat, «una voz que durante décadas ha servido de guía para la democracia y la memoria colectiva de los pueblos de América Latina»—, el festival dio comienzo en Trieste con un evento que se ha convertido en una cita ineludible. Esto resulta especialmente relevante en el contexto actual, dado que cuestiones como el sionismo, el antisemitismo, la diáspora, la Shoah y el genocidio se han transformado en temas de gran actualidad que suscitan intensos debates. La sección «Shalom – El camino judío en América Latina», coordinada por Carlo Mearilli, posee una notable importancia cívica y cultural. Como cada año, tiene lugar en el Museo «Carlo y Vera Wagner» de la Comunidad Judía de Trieste, un espacio emblemático que en su día acogió a refugiados y personas que huían de la persecución mientras emprendían su viaje hacia las Américas. Las películas que integran el programa exploran narrativas de temática judía y profundizan en las complejas experiencias de la diáspora, la identidad, la persecución y el intercambio cultural; temas que resultan fundamentales tanto para la identidad de Trieste como para el panorama latinoamericano: regiones marcadas por fronteras, conflictos étnicos y religiosos, diásporas, emigración y exilio.
Dado que no puedo detenerme en cada una de las películas galardonadas —y mucho menos en todas las que fueron proyectadas (para obtener información detallada, remítanse al sitio web oficial del Festival de Cine Ibero-Latinoamericano de Trieste 2026, celebrado del 25 de octubre al 1 de noviembre de 2026)—, he decidido centrarme en un tema de gran relevancia política y social: las mujeres —del pasado y del presente, de todas las edades, clases sociales y orígenes étnicos— reivindicando su centralidad, su visibilidad y su libertad. Esta idea queda perfectamente plasmada en la imagen de portada, obra de Marianela V. Díaz, que muestra a una joven indígena en un paisaje exuberante y verde. Ella lleva una cesta sobre la cabeza —una imagen tradicional de la mujer que trabaja en el campo—, de la cual emergen cintas de película. La conexión con la tierra, el papel central de la mujer y el acto del trabajo se presentan como las fuerzas primordiales que dan vida al cine y lo sostienen; bajo esta óptica, el cine se asemeja a una valiosa cosecha de la tierra, que brinda alimento espiritual y cultural a la comunidad.
14 DIRECTORAS EN COMPETENCIA
Comencemos por un hecho indiscutible: la presencia de 14 directoras, cinco de las cuales fueron galardonadas. En la Competencia Oficial, el Premio Especial del Jurado fue para *Ángeles*, de Paula Markovitch; el premio a la Mejor Dirección recayó en Lucía Puenzo por *Pepita la pistolera*; el de Mejor Guion fue para *Ela Foi Ali Guardar o Coração na Geladeira*, de Cristiane Oliveira y Gustavo Galvão; y el de Mejor Interpretación fue para Rocío Guzmán por *Se busca*, de Kenya Márquez. En la categoría Contemporánea Malvinas, el premio a la Mejor Película fue para *Jasmin*, de Gisela Gorbalán.
VLASTA LAH: DE PULA A LA ARGENTINA
Se dedicó un evento especial a Vlasta Lah. Nacida en Pula en 1913 y criada en Trieste, emigró a la Argentina en 1938 —tras haberse formado en el Centro Sperimentale di Cinematografia de Roma— y se convirtió en la primera mujer en dirigir cine sonoro en la Argentina. El homenaje incluyó la proyección de sus dos largometrajes restaurados, *Las furias* y *Las modelos*, así como del reciente documental *Vlasta, el recuerdo no es eterno*, realizado por los cineastas argentinos Candela Vey y Tino Pereira. Ambas películas exploran facetas muy distintas de mundos netamente femeninos, dejando al descubierto sus distorsiones y falsedades inherentes. La contundente *Las furias* —que cuenta con música de Astor Piazzolla— se desarrolla en una decadente mansión patricia. En el centro de la trama se encuentra un hombre —hijo, hermano, esposo y padre de las cuatro protagonistas— quien, aunque es invocado constantemente, permanece totalmente ausente. Él actúa como una figura rectora que, ya sea por elección propia o por imposición, ha moldeado las vidas de estas cuatro mujeres, quienes se ven enfrentadas entre sí y mantienen visiones absolutamente contrapuestas sobre el papel de este gran ausente. *Las modelos* sigue las vidas de dos modelos de alta costura divididas entre el anhelo de libertad e independencia y el sueño de pertenecer al mundo de los clientes adinerados; un sueño alimentado por el atractivo que ejercen sobre los jóvenes herederos de esa élite. El documental ofrece una imagen muy distinta de la mujer y directora Vlasta Lah: su trayectoria —un tejido de migración, emancipación femenina y un aprendizaje gradual en los ámbitos de la moda y, más tarde, del cine junto a su marido, Catrano Catrani— revela la ambición sana y el espíritu competitivo necesarios para triunfar en un campo que, por aquel entonces, estaba dominado por los hombres. No obstante, logró hacerlo sin renunciar a apoyar la carrera de su esposo, ni tampoco sacrificó una vida privada profundamente plena. Este homenaje constituye una iniciativa muy acertada para arrojar luz sobre una directora y guionista que fue injustamente omitida incluso del *Diccionario de Directores del Cine Argentino* (2004), de Adolfo Martínez. El proyecto cobra aún mayor relevancia al estar ambientado en Trieste —un cruce de caminos y un centro de intercambio que, desde hace mucho tiempo, entrelaza las narrativas europeas y latinoamericanas—, una conexión encarnada tanto por la propia Vlasta Lah como por el director artístico del festival, Rodrigo Díaz.
Figuras femeninas.
«VISTAS» A TRAVÉS DE LOS OJOS DE LOS HOMBRES
Entre las películas presentadas que destacan figuras femeninas, quisiera mencionar dos documentales dirigidos por hombres: obras que contribuyen a la revalorización y a una mayor visibilidad de mujeres que fueron «diferentes» y, por tanto, relegadas a los márgenes o menospreciadas por la historia oficial y la sociedad convencional y «respetable»: *Delfina*, de Ricardo Carrasco Farfán, y *El sueño de Pocha*, de Alberto Masliah. Ambos filmes se adentran en el ámbito artístico para presentar a dos mujeres muy distintas, unidas por su espíritu independiente y su amor por su oficio. *Delfina* —centrada en la actriz, directora de teatro y escritora chilena Delfina Guzmán— la retrata en sus años de madurez, mientras reflexiona sobre una vida marcada tanto por el éxito como por una lucha constante contra las limitaciones y los prejuicios de su época. Ella relata su oposición al régimen de Pinochet y su capacidad para adaptarse a los cambios sociales —llegando incluso a incursionar en los medios audiovisuales, participando en telenovelas, *sketches* y programas cómicos de televisión—, todo ello mientras mantenía una vida privada rica y apasionada (que incluyó dos esposos y cuatro hijos).
LUCHAS POR LA MEMORIA
La historia de la afroargentina Pocha Lamadrid, fundadora de la organización «África Vive», es muy distinta. Ella ya había aparecido como una destacada activista en un documental anterior del mismo director, *Negro Che*, que investigaba el destino de los afroargentinos «desaparecidos» durante las décadas de 1970 y 1980; un tema envuelto en un silencio absoluto, incluso a lo largo de las luchas por la Memoria, la Verdad y la Justicia en el nuevo milenio. En *El sueño de Pocha*, conocemos el compromiso de Pocha por mantener viva la tradición del *candombe* dentro de su familia y de la comunidad afrodescendiente de Buenos Aires. El material de archivo de las propias presentaciones de Pocha se entrelaza con entrevistas, recuerdos personales e interpretaciones realizadas por sus familiares. Comparten historias de marginación, violencia, discriminación y pobreza —pero también de profunda solidaridad, vitalidad y conciencia sobre la necesidad de preservar la cultura afrodescendiente como una forma de resistencia—. El sueño de Pocha —registrar la música *candombe* y filmar sus interpretaciones durante celebraciones comunitarias y familiares, donde el tambor y la danza siempre ocupan un lugar central— se convierte en una prioridad para toda la comunidad afrodescendiente de Buenos Aires; una visión que el director Alberto Masliah logra materializar con gran destreza.
PERSPECTIVAS CHILENAS: ENFOQUE EN LA MUJER
Entre las obras de directores que exploran la experiencia femenina con resultados notables se encuentra *Tres tristes tías*, un documental del cineasta chileno Carlos Alberto Villegas Leiva —quien también escribió el guión y aparece en el filme—. La cinta se centra en tres mujeres de su propia familia, cada una de las cuales sufrió, de distintas maneras, la violencia política de las dictaduras en el Cono Sur. El documental funciona tanto como una exploración familiar profunda e íntima, como un análisis del propio enfoque del cineasta al abordar temas que le afectan de forma tan personal. A través de estas tres mujeres, la película arroja luz sobre una realidad latinoamericana en la que, con demasiada frecuencia, las mujeres son relegadas al papel de víctimas antes de que puedan llegar a ser protagonistas.
UN TESTIMONIO POR MARIO GARZA
Otra película «feminista» destacable es *Censurada*, del director mexicano Mario Garza. Ambientada en la España franquista, la historia sigue a una joven pianista con dislexia que persigue un sueño de libertad y autorrealización. Ella encuentra su camino tras conocer a otra joven rebelde; un encuentro que da lugar, además, a una relación amorosa entre ambas. De este modo, el filme vincula la experiencia femenina con otros temas recurrentes en la 41.ª edición del festival: la búsqueda y afirmación de la identidad —ya sea en relación con el género, la familia biológica (previamente desconocida) o un grupo étnico marginado—, así como el poder regenerador y trascendente de la música. Cuando la redención llega
TAMBIÉN A TRAVÉS DE LA MÚSICA
En una línea similar se sitúa *Soy Múcura*, de la cineasta colombiana Nina Marín, que también señala la música como fuente de redención para mujeres marginadas. Estas mujeres logran salir adelante gracias a su fuerza de voluntad, la amistad y el poder del arte, lo que les abre el camino hacia una vida mejor. Múcura, una joven con discapacidad auditiva que creció en el seno de una familia dedicada a la música y las danzas folclóricas tradicionales, desarrolla una pasión por el *bullerengue*. Junto a una amiga, consigue participar en un concurso de baile, demostrando que una discapacidad no es un obstáculo para perseguir los propios sueños; algo que también ocurre con la protagonista de *Censurada*. El tema subyacente sigue siendo el mismo, incluso cuando la «discapacidad» deriva de la condición de ser una mujer judía que vive bajo el control despótico de su marido: *Un tango para Rachel* —un cortometraje de la Sección Judía, obra de Lea Kalisch— resulta a la vez cruel y poético, al conferir a la música y a la danza el poder redentor necesario para superar las barreras de género y religión.
EL SÉPTIMO ARTE: REINTERPRETANDO A PONIATOWSKA
Aunque no obtuvo premios —en parte porque se presentó en la sección no competitiva «Cine y Literatura», y en parte porque data de 1997—, *De noche vienes, Esmeralda*, del director mexicano Jaime Humberto Hermosillo, destaca notablemente. Se trata de una adaptación cinematográfica del relato homónimo de Elena Poniatowska. La historia de Esmeralda —una mujer madura y atractiva, aunque ciertamente no un «símbolo sexual»— y sus cinco maridos se aborda con humor, lirismo y una mirada crítica. Este enfoque transforma lo que podría parecer una trama trivial en una reflexión implacable sobre la doble moral, el machismo y las desigualdades que trascienden el ámbito del género. La emancipación de todos los personajes masculinos respecto a sus roles preestablecidos, la serenidad inquebrantable de Esmeralda —junto con su fe en el poder del amor, la empatía y la generosidad— y un «final feliz» compartido por todos —exento de sentimentalismos empalagosos o artificios— ofrecen al espectador una experiencia a la vez entretenida y divertida, que invita a una profunda reflexión y transmite un mensaje político y humano de gran calado.
Como se había anunciado, hubo una presencia notable y significativa de directoras que centraron su mirada principalmente —aunque no de forma exclusiva— en figuras femeninas. (Para evitar caer en un lamentable radicalismo ideológico, cabe destacar el interesante documental *Siempre estuve aquí*, de la cineasta argentina Graciela De Luca, que sigue a cinco hombres de Argentina y Paraguay en su intento por reconstruir sus historias personales y sus identidades: vidas fracturadas por la violencia de la historia).
UN MUNDO DE MUJERES: MÁS ALLÁ DE LAS CONVENCIONES
Centrémonos en obras donde lo femenino se manifiesta tanto en la dirección como en la trama narrativa. Entre las figuras femeninas que rompen con lo convencional, podemos comenzar con *Pepita la Pistolera* —ganadora del premio a la Mejor Dirección en la Competencia Oficial—, de la cineasta argentina Lucía Puenzo. Ambientada en la Mar del Plata de 1985, la película sigue a una prostituta embarazada que desafía a la mafia y a las autoridades corruptas, construyendo un imperio clandestino para proteger a otras mujeres de la violencia callejera y de quienes buscan explotarlas. La cinta brasileña *Ela Foi Ali Guardar o Coração na Geladeira*, dirigida por Cristiane Oliveira y Gustavo Galvão (ganadores del premio al Mejor Guión), aborda la desgarradora problemática de los niños arrebatados a mujeres presas políticas durante las dictaduras militares en Brasil y Uruguay. Cuando Verónica recibe, a través de internet, videos y fotografías de una mujer uruguaya desconocida —cuyo rostro resulta ser idéntico al de su propia madre fallecida—, tanto ella como el espectador se ven impulsados a una profunda reflexión sobre el borrado de la memoria familiar. El filme explora, además, las fronteras geográficas y existenciales entre Brasil y Uruguay, países que formaron parte de la Operación Cóndor —una iniciativa coordinada por la CIA que facilitó la represión en toda Sudamérica durante las dictaduras de las décadas de 1970 y 1980—. Verónica, hija de una presa política brasileña asesinada bajo el régimen militar, fue entregada siendo bebé a una familia vinculada a la dictadura uruguaya, mientras que su hermana, Luiza, permaneció con su madre en Brasil. La historia de estas dos hermanas —ambas mujeres jóvenes, resueltas y seguras de sí mismas— se entrelaza con otro de los temas centrales de esta 41.ª edición del festival: la búsqueda incesante de la verdad sobre la propia identidad, trascendiendo fronteras mentales y geopolíticas para cuestionar la forma en que quienes ostentaban el poder —impulsados por la codicia o por estrategias políticas— intentaron «apropiarse» de los hijos de personas «desaparecidas». Una premisa y una situación «visual» similares pueden encontrarse en *Se busca*, de la cineasta mexicana Kenya Márquez. (Premio a la mejor interpretación para la joven protagonista, Rocío Guzmán): al descubrir su propio rostro en un cartel de búsqueda de personas desaparecidas, la joven René —una deportista inquieta y rebelde— emprende un viaje en solitario hacia Ciudad Juárez para encontrar y conocer a su madre biológica. Lo que comienza como un drama íntimo evoluciona gradualmente hacia una odisea topográfica y política a través de la herida abierta que suponen las desapariciones y los feminicidios en la frontera entre México y Estados Unidos, combinando un sentido del lugar riguroso e inmersivo con una constante tensión psicológica. Cabe destacar también la película *Emi*, del director argentino Ezequiel Erríquez Mena —galardonada con el Premio Especial del Jurado en la sección *Contemporánea*—. Aunque la historia se sitúa cronológicamente lejos de la época de las dictaduras, el tema de la identidad «alterada» del joven Emi y su búsqueda de su familia biológica evoca inevitablemente uno de los trágicos legados de la última dictadura cívico-militar: la apropiación de los hijos de los *desaparecidos*. Otras muchas películas —principalmente dentro de la sección *Contemporánea Mundo Latino*— exploran también cuestiones de identidad, centrándose en el reconocimiento y la reivindicación orgullosa de identidades étnicas a menudo relegadas a los márgenes de la conciencia social dominante. Además de *El sueño de Pocha*, otras obras significativas son *Una escuela en el cielo*, de José David Apel; *Um olhar inquieto*, de Jorge Bodanzky y Liliana Maia; *Ecos del Cerro Kvet Tul*, de Sandra Rengifo y Kostas Tsanakas; *El niño probeta*, de Carolina Hernández; y *El edén subvertido*, de Arturo Díaz Santana.
SECCIÓN JUDÍA LLENA DE SORPRESAS
Para cerrar con broche de oro —y pidiendo disculpas por la gran cantidad de películas y directores que no puedo mencionar—, quisiera destacar una obra de la Sección Judía: *Virginia y Adelaide*, de Yasmin Thayná y Jorge Furtado. La película explora la huida a Brasil de Adelaide Koch —médica y psicoanalista alemana de origen judío—, quien escapaba de la persecución nazi, así como la experiencia de marginación que enfrentó Virgínia Leone Bicudo, una socióloga brasileña negra. Tras un periodo inicial de reticencia y sospecha, ambas mujeres desarrollan un vínculo profundo: primero como médica y paciente durante cinco años, luego como pioneras en la difusión del psicoanálisis en el país sudamericano y, finalmente, como amigas para toda la vida. También cabe destacar *Ángeles*, de la cineasta argentina Paula Markovitch —galardonada con el Premio Especial del Jurado en la Competencia Oficial—. Se trata de un relato conmovedor y poético sobre la amistad entre dos hermanas pequeñas, que venden dulces en la calle, y un hombre de unos cincuenta años que contempla el suicidio. La narrativa se desarrolla casi por completo dentro de automóviles estacionados —convertidos en un microteatro de lo absurdo y la soledad— y a través de espacios urbanos desolados y deteriorados, donde el agua —ya sea estancada en charcos o fluyendo en riachuelos lodosos— parece ser la única fuente de alegría y vitalidad.
Para concluir, quisiera destacar a las dos obras ganadoras en la categoría de «Mejor Película»: una en la Competencia Oficial —evaluada por Carlo Mearilli, Rosa María Grillo y Ricardo Carrasco Farfán— y otra en la Competencia *Contemporánea* —evaluada por Antonella Cancellier, Federica Rocco y Darko Stajn—. Las ganadoras son *Perros*, ópera prima del director uruguayo Gerardo Minutti, que narra el deterioro implacable de un entorno doméstico y vecinal aparentemente tranquilo, el cual deriva en un conflicto tenso y feroz; y *La noche está marchándose ya*, de los cineastas argentinos Ramiro Sonzini y Ezequiel Salinas, que retrata una sociedad que —en nombre de la eficiencia económica y el lucro— tiende a dejar de lado la solidaridad humana. En esta cinta, las vidas de personajes marginados se desarrollan bajo una inquietante estética en blanco y negro, jugando con efectos de claroscuro ambiguos y el suspenso propio del género de terror. Asimismo, deseo hacer una mención especial a *Baracoa*, del director cubano Luis Ernesto Doñas —que cuenta con la participación del siempre brillante Giancarlo Giannini—, la cual nos invita a creer que «identidades» opuestas —un empresario sin escrúpulos y un médico generoso e idealista— podrían llegar a unirse para construir una nueva Cuba.
Estas obras cinematográficas —que desdibujan los límites entre la ficción y el documental— poseen una gran relevancia, al ofrecer el valor añadido de acercar mundos distantes. Para parafrasear al recordado y gran documentalista chileno Patricio Guzmán: «Un país sin cine… es como una familia sin álbum de fotos».
A lo largo de este artículo se incluyen instantáneas del festival celebrado en Trieste.

La fotografía muestra al jurado de la competencia: Carlo Mearilli, Rosa María Grillo y Ricardo Carrasco Farfán.